Ernest James Bellocq - Las Putas de Storyville

Una vieja cámara perdida en un cajón puede ser el apólogo de la historia de un genio y su mar de imágenes celestiales.
Esta es la historia de uno de esos genios, un vampiro de la luz que escribía imágenes en cristales de 8x10 bañados con bromuro de plata en la luminosa oscuridad de fumaderos de opio o prostíbulos, para el que la historia se guardo una carta en la inasible manga de un sillón escurridizo e invisible tras el alma de la secreta memoria de unas noches con vida eterna que nunca imaginaría publicadas.

Este tipo se llamaba Ernest James Bellocq y nació en 1873 en una familia blanca y rica del barrio francés de Nueva Orleans.

Empezó siendo fotógrafo aficionado antes de instalarse por cuenta propia. Trabajó en Nueva Orleans a principio del siglo XX. Sus trabajos fotográficos versaban sobre paisajes o fotografía industrial de encargo, pero lo que vamos a tratar son otros trabajos, los más personales en el barrio de Storyville (de ahí que viva su historia en este blog), retratando a personajes en los fumaderos de opio y en los ambientes de la prostitución legalizada del barrio rojo.

Murió en 1949 sin el reconocimiento de su obra fotográfica hasta después de su muerte.

Anque después de su muerte, la mayoría de sus negativos y las copias fueron destruidas, buscando la verdadera muerte del artista, que es el olvido, es muy posible que fuera su propio hermano León Bellocq, un austero jesuita.

Él y su obra volvieron a nacer cuando se encontraron unos negativos escondidos en un viejo sofá después de muchos años, en el 58 y por un joven fotógrafo llamado Lee Friedlander, que los rescató y los pudo comprar en 1966 recuperando así su trabajo más reconocido, que consiste en 89 desnudos del año 1912 aprox. de prostitutas de Storyville.
Los positivó, con un respeto infrecuente entre fotógrafos y mediante la técnica del ennegrecimiento directo, todo un prodigio, algunas de esta fotografías están dañadas de un modo deliberado para que no se pudiese identificar a las mujeres, en otras se solucionaba esta cuestión con el uso de máscaras y es así como Bellocq nació de nuevo y con él los rostros y los cuerpos de las putas que reinaban en Storyville.

Fueron objeto de una exitosa exposición siendo inmediatamente aclamadas por su intensidad y belleza únicas y se realizó una publicación titulada “Bellocq : photographs from Storyville, the red-light district of New Orleans”.

Estas fotos marcan una insalvable diferencia entre los desnudos presentes de Courbet o de Delacroix, o cualquier otro artista plástico, el retrato de la joven en mallas recostada en la silla: “ella es real” y ese momento ha sido, ha existido y nosotros lo vemos, como lo viera Bellocq.

A Friedlander se le podría comparar con lo que hiciera Man Ray con Atget o Theo con Van Gogh, no es solo el poder ser sólo después de haber sido.

Su trabajo influyó en fotógrafos como Joel-Peter Witkin.
Tras el descubrimiento de sus fotografías éstas han sido expuestas en numerosos museos a lo largo de todo el mundo.
La mística acerca de Bellocq ha inspirado varias versiones de ficción de su vida, en particular la, de Louis Malle ", "Pretty Baby" , en la que Bellocq fue interpretado por Keith Carradine . También aparece en la novela de Michael Ondaatje , "viene a través Masacre" y vuelve a ser un protagonista de la novela de Peter Everett, "la Mujer Bellocq" . Estas obras toman muchas libertades con los verdaderos hechos de la vida de Bellocq. También es un personaje menor en la novela de David Fulmer , '"Persiguiendo la Cola del Diablo".
Las fotografías de estas mujeres han inspirado a la literatura poética en varias colecciones de poemas, en particular Brooke Bergan de Storyville: Un espejo oculta y Natasha Trethewey en Ophelia Bellocq.

Las Fotografias de Bellocq

Texto de Condevolney
extraído de sus múltiples biografías.

Musica del vídeo de Miles Davis, 'Blue in Green'

Bessie Smith "La Emperatriz"

Empecemos por recordar que la cantante Mamie Smith (1883-1946) pasó a la historia de la música por ser la primera cantante en grabar un disco de blues. Los pormenores de aquella historia forma parte de la leyenda, así el 14 de febrero de 1920, Fred Hager, productor de discos del sello Okeh, alquiló un estudio neoyorquino para grabar a una cantante de variedades blanca. Sin embargo, la cantante en cuestión no apareció, pero la orquesta esperaba y su director Perry Bradford ofreció la posibilidad de que una mujer negra llamada Mamie Smith hiciera la grabación, ante esta situación crítica, y como último recurso y, para no perder el día de alquiler del estudio, grabó a Mamie Smith. "Crazy blues", uno de los diez temas de aquella histórica sesión, obtiene un extraordinario éxito al venderse en menos de un mes más de 50.000 copias, un numero jamás alcanzado en aquella época. De todas las voces del blues surgidas tras la grabación de "Crazy Blues" por Mamie Smith, es Bessie Smith, la que logra destacar por encima de sus coetáneas.

La llamada "Emperatriz del Blues", quizás naciera un 15 de abril de 1894 en Chattanooga, Tennessee ya que las partidas de nacimiento no eran muy habituales entre los negros y sus primeros años transcurren en una situación de miseria económica, sin escolarización, sin recursos económicos y con alimento escaso, aprendió a cantar escuchando a los músicos callejeros con los que, en busca de dinero, recorría las calles de su ciudad a la edad de siete años. Besssie destacó por una poderosa voz de contralto y una extremada facilidad para hacer suyos todos los blues que cantaba. Esa cualidad se mantiene todavía, no importa el autor ni importa quién lo hizo antes; si Bessie lo cantó, es suyo.

Cuando contaba nueve años, una mujer negra y bien vestida se acercó a ella mientras estaba cantando en la calle. Ma Rainey (protagonista del anterior post) era una de las más conocidas cantantes de blues y una estrella en el circuito de la música para negros. Esa misma mañana había estado actuando en Chattanooga con la T.O.B.A. (Theater Owners Booking Association), que los músicos preferían llamar Tough On Black Asses (Duro Con los Culos Negros). Ma Rainey no tuvo muchos problemas en convencer a la familia de Bessie para incorporarla a la gira, al fin y al cabo era una boca menos. Se cuenta que Rainey enseñó a la joven los trucos del oficio, cómo cargar de fuerza y significado cada palabra; la manera de lograr que cada frase cuente tu propia historia. «Una canción es como una escalera que has subido muchas veces —solía decir—. Sólo tienes que poner el pie en el primer peldaño y dejar que tu alma cante». Estas primeras giras dieron a Bessie un aprendizaje excelente pero le aportaron muy poco dinero.

A los 17 años, en un pequeño club de Selma, Alabama; Frank Walker, el que sería su productor y consejero escuchó cantar a Bessie Smith. «¿Has pensado en ir a Nueva York?» —le preguntó. «He pensado en muchas cosas, pero hacerlas es bastante más difícil». Años más tarde, Walker la mandó llamar para una sesión de grabación con Columbia; Walker relataría el suceso como «la experiencia musical más importante de mi vida, nunca había oído nada como el aire tormentoso que aportaba a la música de su gente. Ella era el significado del blues».

Parece haber indicios de grabaciones anteriores, el propio Thomas A. Edison, inventor del fonógrafo, grabó una canción de Bessie, en 1921, descartándola por no parecerle lo suficientemente comercial y algunas noticias de los periódicos locales de la época aportan datos de discos que nunca han sido encontrados, pero esa tarde de Febrero de 1923, cuando los técnicos de Columbia grabaron Down Hearted blues, el mundo del jazz y del blues no volvería a ser el mismo. En un principio sólo Walker y el pianista Clarence Willians creyeron en una joven promesa que llegó a Nueva York «alta, gorda y mortalmente asustada», ella misma opinaba que su voz sería «demasiado áspera para esta gente del norte». Seis meses más tarde había vendido 780.000 copias de su disco salvando a la compañía de una casi segura bancarrota. Bessie Smith grabaría, siempre en Nueva York, 160 canciones que constituyen todo un legado cultural.

Los años que vinieron después fueron los de mayor esplendor que una artista negra había conocido jamás hasta entonces. Las ventas de sus discos y el éxito de sus giras le reportaron ingresos millonarios que fueron mal administrados. La bebida y una turbulenta vida sexual que incluía tanto a hombres como a mujeres se llevaron la mayor parte. Los músicos la adoraban, grabó con Louis Armstrong, Fletcher Henderson, James P. Johnson. Coleman Hawkins, Benny Goodman... Se cuenta que en Chicago, el gran Bix Beiderbecke arrojó al suelo la paga de una semana para que no parase de cantar. Jamás olvidó sus orígenes humildes y construyó un asilo para indigentes. Nunca quiso utilizar micrófonos y en una sola de sus sesiones de grabación utilizó batería, se cuenta que ella misma marcaba el tempo a los músicos forzándoles a subirlo o bajarlo con un dominio total de la situación y la ventaja de una voz privilegiada.

Vinieron luego dos años de oscuridad (1929-1931), provocados por la Gran Depresión del 29 y su cotización bajó espectacularmente; sus actuaciones escasearon llegando a cantar en lugares infectos donde la clientela sabedora de su afición por el sexo, le pedía continuamente canciones pornográficas. Premonitoriamente grabó una versión de Nobody knows you when you´re down and out. Los excesos de su carácter y su afición a la bebida habían creado una gran desconfianza en los propietarios de locales y teatros que nunca podían asegurarse de que Bessie estuviese presente el día del concierto. Su carácter oscilaba por momentos entre la más absoluta vulnerabilidad y ternura a crisis de desesperada violencia cuando no podía conseguir lo que quería en un momento determinado, fuese alcohol, hombres o mujeres. Su generosidad era una constante; nadie que acudiese a ella solicitando ayuda, ficticia o real, volvía con los bolsillos vacíos. Walker, su productor consiguió que ahorrase lo suficiente para comprar una casa.

Poco después se produjo el reemplazo en la producción de Walker por su marido; Jack Gee, un policía de Filadelfia más aficionado al dinero fácil que a los negocios artísticos, con el que mantuvo una relación en la que el amor y el odio se mezclaban a partes iguales. Aunque Jack figure como autor de algunas composiciones grabadas en esa época, su falta de conocimientos y de interés por la música evidencian que estas atribuciones fueron un regalo más de Bessie. Las cosas empeoraron notablemente y Bessie volvió a actuar en pequeños clubes sureños. Su última grabación tuvo lugar el 24 de Noviembre de 1933. Tanto en los discos de su última etapa como en la película de Dudley Murphy, su voz ha ganado en profundidad y fuerza; más que nunca canta como siente, sin técnicas ni artificios. Los años de decadencia personal imprimen a su música una emotividad que no pueden dar en ningún conservatorio.

Hablemos de la película de Dudley Murphy, en 1929, cuando Bessie Smith había comenzado su decadencia, Dudley Murphy dirigió una película, apenas un corto, que sería el único documento cinematográfico de la cantante. El tema elegido fue St. Louis blues, de W. C. Handy, que además ejerce de director musical y coguionista. Bessie está acompañada por la orquesta de Fletcher Henderson, pero éste es sustituido en el piano por James P. Johnson. En tan poco tiempo es difícil concentrar más nombres claves de la historia del jazz. La película constituye hoy en día una rareza que los aficionados al jazz persiguen y veneran. El guión, cargado de tópicos, es estremecedoramente biográfico. Bessie es rechazada por su hombre, un jugador que la abandona por otra mujer más joven. Ella se consuela con una botella de ginebra y cantando un blues a capella que pone los pelos de punta. Luego, en el bar, se le suma la orquesta de Henderson y un coro de voces de los parroquianos; mientras, ella permanece en la barra cantando frente a una enorme jarra de cerveza, una joya musical.

En la madrugada del domingo 26 de septiembre de 1937, en una carretera local del estado de Mississippi, su automóvil se empotró en la trasera de un camión; su cuerpo quedó destrozado, con el brazo derecho prácticamente separado del tronco. A partir de aquí circulan varias versiones; según una, Bessie se desangró porque los hospitales más cercanos no admitían pacientes negros; otra dice que murió en la sala de espera de un hospital y una tercera afirma que murió en el hospital para negros G. T. Thomas, de Clarksdale, al poco tiempo de ingresar. De cualquier manera murió demasiado pronto.

Bessie Smith cambió el panorama musical que vino detrás de ella. El mundo del blues, tan dado a este tipo de sobrenombres, cuenta con una buena cantidad de «reinas» en su catálogo; pero el título de «emperatriz» está reservado a una sola persona.

El jazz no sería lo mismo sin Billie Holiday, otra artista cuya vida presenta paralelismos con la de Bessie. La propia Billie se consideró siempre como una admiradora y discípula de su estilo; en su autobiografía Lady sings the blues recuerda cuando a cambio de unas monedas limpiaba toallas en un burdel «...le decía a Alice que podía guardarse su dinero si me dejaba subir a la sala de estar para escuchar a Bessie en su gramola». En la era del pop su influencia seguía vigente; otra vocalista de biografía azarosa; Janis Joplin, —«Bessie me mostró el aire y me enseñó cómo llenarlo» había dicho—, reconoció su deuda con la emperatriz cuando, en 1970, poco antes de su propia muerte compró la lápida que hasta entonces la tumba de Bessie Smith no había tenido.

Oh! Mami Blues

Gertrude Malissa Nix Pridgett nació en Colombus estado de Georgia el 26 de abril de 1886 en una familia dedicada al show de cabaret y vodevil, en 1900 con solo 14 años ya cantaba y bailaba en el show familiar con un espectáculo ambulante, la comedia vodevil "A Bunch of Blackberries (para ello falsifico la documentación poniendo como año de nacimiento el de 1982) y como si de un cometa musical se tratara, empezó a trabajar en los mejores espectáculos de aquel momento.

En 1904 se caso con el cómico, bailarín y compañero de show William Rainey, creando el famoso dúo Ma & Pa Rainey, siguieron con el espectáculo "Assassinators of the Blues", y actuaron con las mejores troup del vodevil. Con el circo Tolliver en el espectáculo "Rabbit Foot Minstrels", conquistando por donde actuaban un enorme prestigio como cantante de blues, en una de esas actuaciones, conoció a una niña que buscaba trabajo, era la gran Bessie Smith, diez años menor que ella y la ofreció un sitio en su espectáculo (fue la gran oportunidad de la que fuera una de las mas grandes estrellas del cabaret-blues)

A partir de 1909, un empresario blanco, Anselmo Barrasso, había organizado el circuito TOBA (Theater Owners Booking Association), una extensa red por todo el país, de teatros, salas de fiestas, carpas de circo y lugares diversos destinados a la diversión del publico de color dado que la segregación racial en América prohibía a los negros asistir a cualquier tipo de espectáculos juntos a la raza blanca. Precisamente la dureza de ese circuito para los artistas y las humillantes condiciones de trabajo y salario en la que se desenvolvían, hizo que el pueblo de color alterase sabiamente el significado de esas siglas racistas, así para el músico de color, TOBA, significaba (Tough On Black Asses) que traducido al castellano seria "Duro para los culos negros".

Ya próxima a la cuarentena, cuando ya no tenia la frescura de los comienzos, la Paramount ofreció a Ma Reiney la primera oportunidad de entrar a grabar y así lo hizo, en cinco años (1923 al 28) grabo mas de noventa extraordinarias piezas de blues, la mayoría propias, acompañada por todo tipo de instrumentos e instrumentistas, generalmente llamados Georgia Jazz Band, las primeras grabaciones fueron acústicas, política de la casa que no se electrifico hasta 1927, por el estudio pasaron los mas grandes, el clarinete de Jimmy O'Bryant, el piano de "Georgia Tom" Dorsey, la guitarra de Tampa Red, el trombón de Edward "cabrito" Orly, el gran saxo Coleman "Hawk" Hawkins, la pianista Lovie Austin y sus Blues Serenaders, el trompetista, Tommy Ladnier, particularmente inspirado en "Southern Blues", típico doble sentido sexual de muchas de sus composiciones, con el pianista Fletcher Henderson y su orquesta (1924) graba el celebérrimo, "See See Rider" y "Jelly Bean Blues" dos de sus blues mas conseguidos, uno de los elementos de esa orquesta era un jovencísimo trompetista llamado Louis Armstrong, y en 1928 hizo duetos con el gran Papa Charlie Jackson y su sofisticado banjo (sonido único en la historia del blues), la Paramount presento el disco Dream Blues como algo nuevo, diferente, y único, por primera vez el disco llevaba serigrafiada la fotografía del artista, para esa grabación contó con los gemelos guitarristas de Kansas Miles y Milas Pruitt, al contrabajo Charlie Turner y las voces acompañantes de la gran Ida Cox y de Lottie Beaman.

Ma Rainey fue una de las primeras mujeres en declarar su condición homosexual, tanto en publico como en sus canciones, resultaba especialmente provocador siendo mujer y negra en los estados del sur, pero su valentía y genialidad la llevaron a combatir desde el LGBT y componer canciones como Prove It on Me:

"Went out last night with a crowd of my friends,
They must have been women, 'cause I don't like no men.
Wear my clothes just like a fan, Talk to gals just like any old man
Cause they say I do it, ain't nobody caught me, Sure got to prove it on me."

Escucha "Prove it on me"

“Salí ayer por la noche con un montón de mis amigos,
Debían haber sido mujeres, porque no me gusta ningún hombre.
Lleve mi ropa muy ventilada, hable con las chicas como cualquier hombre maduro,
Me dicen, cual es la causa, nadie lo entiende, seguro que lo entenderian si me probaran a mí “

En 2006 se realizo un extraordinario corto en el que se representaba una recreación de un número de 1928 donde Ma Rainey cantaba blues con letras explícitas lesbianas.

Rainey habló también en público sobre temas para la mejora de oportunidades para las mujeres y sirvió como modelo para la toma de decisiones en otras mujeres respecto a su propia carrera profesional, manera de vivir y elección sexual.
En 1925 la policía hizo una redada en la casa de Ma Rainey justo durante una fiesta donde había diversas mujeres sorprendidas en situaciones comprometidas. Como consecuencia la cantante fue arrestada con cargos de "fiesta indecente". Su amiga y quizas amante Bessie Smith pago la fianza para su excarcelación.

La gran Ma Rainey siguió cantando hasta 1935 en algunos pequeños clubs, teatros y salas de espectáculos de Georgia, en las navidades de 1939 el 22, su corazón dejo de latir y su alma partió para unirse a los viejos blusmen con los que seguirá cantando con la fuerza, expresividad y compromiso que la caracterizo en vida. Gracias hermana, siempre has sido una luz alumbrandome el camino, camino que seguro despejaste en el cruce a Robert Johnson.

En 1982 August Wilson dentro del ciclo 20th Century African American experience, dirigió la obra dramática "Ma Rainey's Black Bottom", interpretada por Charles S. Dutton y Theresa Merritt, en 1985 fue galardonada con el premio Tony Award como mejor obra dramática; Dutton y Merrit también fueron ganadores como mejores actor y actriz; Pero Charles S. Dutton quiso repetir, esta vez con Whoopi Goldberg como compañera, pero la critica tiro la obra por los suelos (en ese mismo año la Goldberg recibio el oscar a la mejor actriz por "el color purpura", no creo que fuera su actuacion la mala prensa, si no la obra que quiso hacer Dutton).

Escuchar sus grabaciones, con fecha y lugar de grabación y cuadro de los musicos que la acompañaban en las mismas:
Fletcher Henderson Orchestra grabado como Ma Rainey y la Georgia Jazz Band

Con Papa Charlie Jackson como "Ma Rainey and Papa Charley Jackson"

Ma Rainey acompañada por Lovie Austin y la Blues Serenaders

"Dream Blues" Ma Rainey acompañada por the Pruitt Twins

Grabación con Piano, Banjo, Kazoo (mirlitón) y Washboard
Ma Rainey and her Tub jug Washboard Band
Creando un increible vinilo "Victim Of The Blues"

Sweet Home Chicago

La verdadera historia de Sweet Home Chicago grabada por Robert Johnson el 23 de noviembre de 1936.
Johnson grabo las 29 canciones en 5 sesiones, las tres primeras los días de noviembre 23, 26 y 27 de 1936 en una habitación del Hotel Gunter de San Antonio (Texas) en las que se parieron 16 temas, de los cuales solo 5 giraron a 78 rpm con cierto éxito en las listas de discos para negros (entre ellas Sweet Home Chicago) y las dos sesiones restantes los días 19 y 20 de junio de 1937, en un edificio de oficinas de Dallas que dieron como fruto 13 temas, que hacen el total de 29, mas 11 tomas alternativas y dos fotos, ese es todo el legado que nos dejo el genio de Robert Johnson, bueno también dejo un montón de hijos de los cuales solo Claude Johnson, conductor de camión de más de 70 años que mantuvo una dura batalla legal por sus supuestos derechos y que a finales de los 90, un juzgado de Mississipi le declaró único heredero.

Sweet Home Chicago se grabó el 23 de noviembre del 36, en la primera sesión, el 22 Don Law, que se consideraba a sí mismo responsable de Johnson en todos los sentidos, le buscó una habitación en una casa en las afueras de la ciudad y le dijo que procurara acostarse temprano, pues la sesión de grabación debía empezar a las diez de la mañana del día siguiente.
Law se reunió con su esposa y unos amigos para cenar en el hotel Gunter, apenas había empezado a cenar cuando sonó el teléfono, un agente de la policía local llamaba desde la cárcel donde Robert estaba recluido acusado de vago y maleante, Law acudió enseguida, encontrando a Johnson maltrecho y con la guitarra destrozada como consecuencia del trato habitual para los
presuntos delincuentes negros en los estados sureños, consiguió la liberación de Robert bajo su custodia y responsabilidad y lo acompaño a la pensión, le dio 45 centavos para el desayuno del día siguiente y le insistió en que no se moviera de allí durante el resto de la noche.
Law no había hecho más que llegar al hotel cuando volvió a sonar el teléfono, esta vez era Jonson quien hablaba
-¿Qué pasa ahora? Preguntó Law temiendo lo peor
- Estoy solo, respondió Johnson
-¿Estás solo? ¿Y que quieres decir con eso de que estás solo?
- Estoy solo y hay una señora aquí, ella quiere medio dólar y me faltan cinco centavos…”
A pesar de todas las dificultades a la mañana siguiente Robert Johnson consiguió realizar las tres primeras sesiones en una de las habitaciones del Hotel Gunter.
La grabación la hizo con una guitarra Gibson Kalamazoo semidestruida y de cara a un rincón contra la pared, unas versiones sugieren que esto se debía a su timidez, otras al días después de una monumental borrachera, pero el músico y folclorista Ry Cooder se inclina a argumentar que Johnson estaba ni más ni menos que aprovechando la acústica del lugar, pero lo cierto es que grabo 16 temas sin mirar a nadie y en no mas de dos metros cuadrados, genio o locura, esta es la verdadera historia de la grabación de Sweet Home Chicago.
Los hermanos Coen en "O Brother, Where Art You?" crean un personaje basado en la figura de Robert Johnson.

Hace que me apetecía contar algo mas sobre esta estrella fugaz, pero las musas llegan cuando uno menos se lo espera y mimismidad y sus gustos musicales han hecho el resto, ha sido el empujón que nos hace falta algunas veces para que salga y salio y así os lo he contado.

Cuando Robert Johnson escribió la canción no conocía Chicago, se cree que la frase “land of California” la utilizo como una manera de decir "Ese lugar de gran riqueza", como una metáfora para la región de la leche y la miel, otra curiosidad es “friend-boy” que en su dialéctica significaba “novio”.
La letra original escrita por Johnson con el tiempo fue modificada, sobre todo para la película “The Blues Brothers”, si echáis un vistazo el original no se parece casi en nada al tema ya tan versionado por los mas grandes entre ellos el gran Eric Clapton, que hizo un disco homenaje a Johnson, uno de sus maestros.

Ooh, baby don't you want to go?
Ooh, baby don't you want to go?
Back to the land of California, to my sweet home Chicago (bis)

Now one and one is two, two and two is four
I'm heavy loaded baby, I'm booked,I gotta go
Cryin' baby, honey don't you want to go?
Back to the land of California, to my sweet home Chicago

Now two and two is four, four and two is six
You gonna keep monkey'in 'round here friend-boy,
you gonna get your business all in a trick
But I'm cryin' baby, honey don't you wanna go
Back to the land of California1, to my sweet home Chicago

Now six and two is eight, eight and two is ten
Friend-boy, she trick you one time, she sure gonna do it again
But I'm cryin' hey, baby don't you want to go
To the land of California, to my sweet home Chicago

I'm goin' to California, from there to Des Moines, Iowa'y
Somebody will tell me that you, need my help someday,
cryin', hey, baby don't you want to go
Back to the land of California, to my sweet home Chicago

Version modificada, partiendo de la pelicula The Blues Brothers

Come on
Oh baby don't you wanna go
Come on
Oh baby don't you wanna go
Back to that same old place
Sweet home Chicago

Come on
Baby don't you wanna go
Hidehey
Baby don't you wanna go
Back to that same old place
Oh sweet home Chicago

Well, one and one is two Six and two is eight
Come on
baby don't ya make me late
Hidehey
Baby don't you wanna go
Back to that same old place
Sweet home Chicago

Come on
Baby don't you wanna go
Back to that same old place
Sweet home Chicago

Six and three is nine Nine and nine is eighteen
Look there brother baby and see what I've seenHidehey
Baby don't you wanna go
Back to that same old place
Sweet home Chicago

Oh come on
Baby don't you wanna go
Come on
Baby don't you wanna go
Back to that same old place
Sweet home Chicago

Cuando sepa como cortar los articulos la portada dejará de ser como un día sin agua, de momento no sé, si alguien me puede echar una manita ....... agradeceria con sonrisas.

Mississippi John Hurt

You're Going To Walk That Lonesome Valley Blues

Furry Lewis

Master Lewis slide control in When I lay my burden down

Encrucijada 27

Cuenta la leyenda que Robert Johnson, músico mediocre y que misteriosamente, de la noche a la mañana, logró convertirse en el mejor guitarrista del Delta del Mississippi, cuyos largos dedos demostraron un conocimiento musical que iba más allá de la edad y la época del artista (frecuente aptitud en los genios).

La historia dice que al cumplir los años 20 comenzó a demostrar un gran interés por la guitarra y empezó a frecuentar los clubes en los que observaba con cuidado a los guitarristas de la zona. Robert buscó asesoramiento en un músico con cierto renombre, Willie Brown, quién trató de ayudar en todo lo que pudo al joven aspirante y le acabó de enseñar los trucos y técnicas de la guitarra y que empleó la mayor parte de su corta vida en perfeccionar su destreza como bluesman, viajando por el Delta del Mississippi e incluso por Canadá y Nueva York.En febrero de 1929 se casó con Virginia Travis, ella quedó embarazada, pero la tragedia marcó a Johnson cuando Virginia y el bebé murieron en el parto en abril de 1930, ella tenía apenas 16 años, este duro golpe lo ahogó con la música. Son House fue su compañero de fatiga, con quién Johnson comenzó a tocar en aquellos primeros años de la década de los 30.[]

No existen pruebas de los vínculos de Robert Johnson con las artes ocultas de la magia negra, sin embargo, la mayor parte de los testigos coinciden en afirmar que sobre el escenario irradiaba un halo mágico que cautivaba al público, cantaba con una dicción levemente apagada, con una voz apasionada, agonizante y muchas veces afectada, pero su guitarra era brillante. Los temas persistentes en sus blues eran la desesperación religiosa y los demonios interiores, también describían imágenes de degradación y de desinhibida sexualidad, en algunas de sus canciones Johnson hace alusiones a ese posible pacto, en "Cross Road Blues", por ejemplo, se habla de un cruce de caminos que muchos consideran como el lugar señalado para su encuentro con Lucifer, aunque no se habla de ningún pacto. Por otra parte, en "Me and The Devil Blues", se dice: "Early in the morning, when you knock at my door/Early in the morning, when you knock at my door/I said Hello Satan, i believe it's time to go". Un músico creativo y genial. Posiblemente, se trata del artista de blues más influyente de todos los tiempos.

En dos sesiones de grabación, Robert dejó estampada toda su obra. Éstas se llevaron a cabo el 23, 26 y 27 de noviembre de 1936, en una habitación del Hotel Gunter de San Antonio (Texas) y, posteriormente, el 19 y 20 de junio de 1937, en un edificio de oficinas de Dallas. Son once los discos de 78 r.p.m. que se editaron durante la vida de Robert Johnson, uno más se conoció una vez que la vida del músico se había apagado. Su obra alcanzó las 29 composiciones. Compuso algunas de las canciones más importantes de la historia del blues, como Crossroad Blues, Come on in my kitchen y Sweet Home Chicago.



Dos años más tarde, cuando su virtuosismo y magnetismo lo habían convertido en el mejor músico de la región, murió envenenado por un hombre que creía que le estaba haciendo la corte a su mujer, mientras tocaba en un bar de Greenwood, en el mes de agosto de 1938. Cincuenta años después de su muerte, una reedición de todas sus grabaciones fue disco de oro y consiguió un premio Grammy.

Tenía 27 años. El 27 es un número familiar para los genios de la música, ya que artistas como Jimmy Hendrix, Jim Morrison, Janis Joplin y Kurt Cobain y hoy 24 de julio del 2011 Amy WineHouse, tuvieron su trágico final a esa misma edad.

La encrucijada 27

A modo personal (y saliendome de mi norma) tengo que contaros que me he sentido muy especial creando el collage de Robert, la acertada mirada, su irónica sonrisa y ese halo de sorna que fluye en las pocas fotos que existen de él, han incubado algo que se que no habitaba en mi.

Blues

Blues, es la historia de la esclavitud de un pueblo. Blues, es la manifestación de una condición de vida. Blues, musicalmente hablando es la maxima expresión de la tristeza.

Para rastrear el nacimiento del blues. habría que ir hasta la costa norteamericana de Virginia más precisamente Jamestown y remontarse a un día de agosto del año 1619, en esas playas, desembarcaron a los primeros esclavos negros traídos en su mayoría desde la costa oeste de África, para trabajar, en régimen de esclavitud, en campos de algodón, a un hombre se le puede arrancar de su espacio vital, el sitio en el que habita y habitaron sus antepasados, pero lo que no se le puede arrancar es su alma, su cultura, su folklore que en este caso se traducía en canciones de ritmos regulares en las que explicaban sus emociones, sentimientos sobre la vida y la inmensa tristeza que les producía haber sido desarraigados de su tierra.

Al principio se entonaban en bantú, fon, yoruba y otras lenguas y dialectos de África; luego, cuando los esclavos incorporaron la lengua del colonizador, los cantos comenzaron a decirse en inglés. Pronto esa música, viva y primordialmente rítmica, fue el fondo de una serie de temas que dieron cuenta de los infortunios por los que pasaba el esclavo en el infierno de las plantaciones. Eran los llamados work songs (cantos de trabajo), canciones improvisadas durante la faena. Una voz entonaba un verso, que de inmediato el resto repetía a coro.

Un siglo después, sólo en Nueva Orleans, había un promedio aproximado de cinco mil negros por cada cuatro mil blancos. Los hijos y nietos de esos esclavos iban a ser los fundadores del "blues" (en inglés significa "melancolía"). Decir I`ve got the blues en los años treinta y cuarenta del siglo XIX significaba aburrirse, pero hacia los años sesenta de ese mismo siglo, tenía la connotación de infelicidad, con el tiempo fue enrriqueciéndose con la herencia viva de quienes vivieron en la pobreza, la persecución y el trabajo duro, experimentando a partir de entonces el amor y la traición, la santidad y el pecado, el placer y el dolor del sexo, la tragedia, la cárcel, la risa, la ebriedad, la desesperación y la pura alegría.
Hoy el grito debe ser “el blues sigue vivo, the blues live”

Pater musicorum

Guido d'Arezzo, monje benedictino, 995-1050, considerado el padre de la música, quien dio nombre a las notas musicales tal y como las conocemos hoy. Pero no fueron en absoluto inventadas por él.

Las extrajo de las sílabas iniciales de cada hemistiquio del Himno a
San Juan, llamado Ut queant laxis, y a él le debemos la fórmula
que permite memorizar la entonación precisa de las notas.

HIMNO A SAN JUAN

Ut queant laxis
Re sonare fibris
Mira gestorum
Famuli torum
Solve polluti
Labii reatum
Sancte Iohannes

La nota Do=Ut se utiliza sólo en el idioma alemán y para el Canto
Gregoriano.
La nota SI la formó con las iniciales de Sancte Iohannes.

La canción más antigua

Anne Kilmer profesor especializado en Siriología de la Universidad de California, y el conservador del Museo Lowie de antropología de Berkeley un par de investigadores han trascrito de unas tablas de arcillas, unas composiciones musicales que podrían ser las más antiguas del mundo.

Las tablas de arcilla con escritura cuneiforme, habían sido excavadas a principios de los 50 en la ciudad siria de Ugarit.
Una de ellas contenía un himno completo, la letra y la música del mismo.

Las tablas datan del año 1400 A.C. y contienen un himno a la diosa Nikal, esposa del dios de la Luna, ofreciendo también las instrucciones detalladas de interpretación para un cantante acompañado por un arpista, así como instrucciones para templar el arpa.

En la imagen he superpuesto la tabla de arcilla según se encontró y el documento en el que se hizo la trascripción para que se vean mejor los tipos de escritura.